此次展览上，两人延续各自的创作逻辑和风格，呈现了30余件迥异的绘画及装置作品。然而二者并无字面意义上的共性，只是诚恳地展示着自己作为创作者的面貌，强调创作者与其工作之间那种纯粹而专注的关系。如果说冲锋的艺术家代表着观念和反叛，殿后的画家代表着技艺与深度，那我们这次不妨重新审视一下二者之间被预设的界限与定义。

阿德莉娅·桑托莉乐于在巴掌大小的作品中描绘“禁忌”——去揭示我们通常试图隐藏的内容、或是想要保守的秘密。她擅长将西方神话元素进行挪用与再创作，笔下的女性角色普遍具有相同的特征：自在地直视着观者的眼神、“反”固有服饰的简化描绘、披散的长发等等，这些表达都体现着女性角色的自信与不受束缚，以及对于不同身份定义的反对。她通过笔下女性直刺而来的眼神，主动与观者、与艺术史传统进行着一场自信的对话。这是一种以“守”为“攻”的策略，她坚守在架上的方寸之间，却以现代性的笔触向古典法则发起了冲锋。

而奇妙的是，“眼神”这个元素在林奥劼的作品里恰恰被回避掉了。在林奥劼所置身的、由社交媒体和资本洪流构成的忙碌世界里，一种截然不同的生存策略则是回避与隐藏。在作品《还能做出怎样的艺术》中，不知从何时起，他的眼睛就被头发遮起来，跟他本人一样变成了一个隐藏起来的，沉默的观察者，在一轮又一轮的创作、展览和沟通中，把艺术家在观念上“无计可施”的现状直观地呈现在我们眼前。这种表达就像是在喧嚣的“冲锋”浪潮中，一种冷静的、甚至是无奈的自我保护与批判姿态。林奥劼自己曾说：“世界很忙，近年世界发生了很多事，但是艺术世界能做的能说的太少。”于是，带着这种无奈，他只能继续在他的作品里反复扮演自己，以其标志性的“非艺术性语言”执拗地发问。

作为冲锋者好像需要在快速的信息时代下推陈出新，正如《愚人》这件作品描绘的反复嵌套：画中之人正手握一只画笔，右下角一只手伸出来打卡拍摄这一被创造出来的画面，而手机上显示的却是一张ai生成的图像。站在画外的观众可能会再度拍摄、传播，形成一个“Mise en abyme”（镜渊），它是对一个艺术整体图像的反复内部复制，从而形成一系列无限递归、最终消失于视野的图像——就像一个人站在两面相对的镜子之间所看到的情景一样，最终一切落入罗兰·巴特所说的：“虚无从未如此确凿。”

艺术家借助观念调侃现实，画家的方式则更倚靠笔下的重构。当阿德莉娅引用鲁本斯、布歇等大师的图式，并加入草莓、蝴蝶、古怪的蕾丝等个人化、现代甚至略带戏谑的元素时，这种重构剥离了原作的部分神圣性，注入了画家的个人情感和现代视角，使得古典题材与当代观众之间产生了新的、有时甚至是令人不安的联结。这更像是一种温和而智慧的“弑父”（艺术史之父）行为，也是画家在严苛的技艺要求下，一种冷静而自信的战略选择。

当观念艺术日渐陷入艰深和疏离时，绘画再度被市场拥抱，成为情感的直接载体。经过数百年沉淀的经典绘画语言，其价值判断标准似乎更为清晰，显得更“安全”。然而，这看似“安全”的回归之路也布满了新的陷阱。资本的热情也往往将绘画迅速风格化、符号化，使其沦为另一种形式的硬通货。于是，在这套规则下，艺术家和画家在循环往复的市场变化中切换着攻守，彼此都在成功标尺的诱惑与难以锚定的局促之间往返。
但最终这场二人角力还是一场被误解的内战，可能阿德莉娅的意大利背景和林奥劼的南方视角在忙碌中平等化了，也有可能很忙的世界压根不会在乎这场冲守之间的角力。